Giuseppe Maurizio Piscopo

Salvo Cuccia, regista e artista visivo, coniuga nella sua sperimentazione eclettica video arte, fiction e nuove forme del documentario. Autore prolifico, ha realizzato molti lavori tra video di creazione, cortometraggi di invenzione, performances, videoinstallazioni e documentari, alcuni dei quali per i programmi Rai “La storia siamo noi” e “Magazzini Einstein”, altri con la collaborazione di Rai Cinema. I suoi lavori sono stati selezionati in numerosi festival internazionali, da Locarno al Festival dei Popoli, da Torino a Bombay. Nel 2005 Martin Scorsese ha presentato il suo film Dètour De Seta al Tribeca Film Festival e al Full Frame Documentary Film Festival. Nel 2013 ha partecipato alla 70. Mostra del Cinema di Venezia con il film documentario Summer 82 When Zappa Came to Sicily. Nel 2015 ha realizzato Lo Scambio, il suo primo lungometraggio di finzione. La sua ricerca è protesa oggi verso le nuove frontiere della realtà aumentata e il cinema di finzione.

Quando e come nasce la tua passione per il Cinema? Qual è il primo film che hai visto?

E’ difficile dirlo, non so quale sia stato il primo momento, visto che sono in pratica nato in un cinema, il Cinema Cuccia che mio nonno aprì nei primi anni ’50 a Villafrati, in provincia di Palermo. Ogni sera dal secondo piano della palazzina dove abitavano anche i miei nonni, scendevo nel cinema al pian terreno a vedere i film fin da quando avevo 4 o 5 anni. Non ricordo bene i primi film che ho visto ma saranno stati film di cappa e spada, film con Totò, o colossal storici. Avevamo anche il “Cinemobile Cuccia”, un furgone attrezzato con un proiettore 35mm., amplificazione e un grande lenzuolo/schermo. D’estate mio padre e i suoi fratelli proiettavano i film nelle piazze dei paesi vicini. Ancora prima utilizzavano un camion OM a noleggio su cui si issava e imbullonava di volta in volta il proiettore sistemato nella sala cinema dentro a una casetta di legno rossa. Ricordo da piccolo anche di film visti in tv come “Il ragazzo da capelli verdi” di Losey o “Il Settimo Sigillo” di Bergman. Essendo la tv in bianco e nero “vedere” un bambino che un mattino si sveglia con i capelli verdi fu ancora più inquietante per me perché dovevo immaginarlo: una sorta di fuori campo del colore. E nel secondo, la scena iniziale della partita a scacchi tra il cavaliere e la morte fu altrettanto forte e sconvolgente. Ho avuto fin da piccolo un interesse per l’arte, per la pittura e la musica in particolare, oltre che per la scrittura. Mio padre morì giovanissimo nel 1982 e da quel momento curai la gestione del cinema insieme ai miei zii. Poco tempo dopo iniziai a nutrire un interesse per la videoarte, conobbi i padri della sperimentazione video da Nam June Paik ai Vasulka e poi Bill Viola, Studio Azzurro e altri. Dall’interesse per il cinema e le forme della sperimentazione video nacque in me l’esigenza di pensare e realizzare dei lavori come filmaker. La mia vera formazione avvenne molti anni dopo attraverso due incontri per me fondamentali: Raùl Ruiz e Vittorio De Seta.

 Che cos’è per te il Cinema?

Il cinema è arte e industria o tutte e due, come nel caso dei fratelli Joel e Ethan Coen, tra i pochissimi autori di oggi che a volte riescono a coniugare le due cose in una sintesi perfetta.

 Qual è la tua opinione sulla fiction e le nuove forme del documentario?

Per me sono contenitori di linguaggi in cui forma e contenuto si coniugano a volte in maniera totalmente differente e altre volte diventano indistinguibili o si sovrappongono. Quando parliamo di nuove forme del documentario ciò è riferito, come anche nel cinema di finzione, alla possibilità di sperimentazione, una parola magica che fa paura ai produttori. Credo che senza la sperimentazione e la ricerca, così come in altri campi, il rischio è l’involuzione. Oggi il mercato richiede sempre di più prodotti che siano come gli omogeneizzati che si danno ai bambini, cioè pappetta di facile consumo, ma questa è già cosa risaputa, preconizzata da grandi autori dagli anni ’60 in poi. Io sono partito in un certo senso da molto lontano per arrivare anche a fare il mio primo film di finzione, sono partito dalla videoarte e da forme sperimentali di interazione con i musicisti, come performances dal vivo e installazioni. Tutte esperienze che sono confluite poi nei documentari e nel cinema di finzione. Ogni cosa va fatta a suo tempo con la forma che può e deve prendere in base alle esigenze dell’autore. Dico va fatta se si sente l’urgenza di farla.

Tu hai una visione molto letteraria della Sicilia e la racconti con la voce dei grandi protagonisti. Non pensi di aver dimenticato quelli che lavorano in silenzio e non hanno mai un riflettore puntato?

L’ho raccontata attraverso un coro di voci che vanno dai grandi autori e uomini di cultura a quelle dei lavoratori, contadini, pastori, pescatori che ho “rivisitato” per esempio nel mio documentario Détour De Seta, andando negli stessi luoghi in cui aveva girato Vittorio De Seta. E’ vero anche che spesso ho sentito l’esigenza di portare sugli schermi televisivi personaggi del mondo della cultura e dell’arte perché secondo me non se ne parla mai abbastanza. Per esempio per quanto riguarda la divulgazione sono molto orgoglioso di avere fatto un documentario sulle Settimane della Nuova Musica e sulla genesi del Gruppo ’63, occasione che mi ha dato Maria Paola Orlandini per Magazzini Einstein di Rai Educational. E ultimamente ho anche realizzato un progetto che è in itinere, insieme a Orietta Sorgi, finanziato dal CRICD (www.cricd.it) con i fondi europei, sugli artisti e autori siciliani, un archivio audiovisivo che è anche sul web: www.osservatoriodelleartisicilia.it e che invito a visitare. Questo perché penso che bisogna far conoscere, dare voce anche agli artisti più giovani e ancora poco conosciuti oltre a quelli già famosi: un modo per fare il punto sul mondo della cultura e delle arti in Sicilia, anche con l’intenzione di valorizzarlo.

Tu hai conosciuto il Maestro De Seta. Che idea ti sei fatto del suo modo di raccontare gli ultimi, gli zolfatari, gli emigranti, i contadini in un altro periodo storico?

La chiave per parlare di Vittorio De Seta è “poesia del reale”. De Seta è oggi considerato il padre del documentario in Italia. Ho avuto modo di fare questo “Détour”, di fare questa deviazione verso i mondi dimenticati di cui ci ha parlato lui fin dagli anni ’50 ed è stata una esperienza preziosissima. De Seta aveva il dono di uno sguardo profondo sulla realtà attraverso un linguaggio fortemente poetico, tra l’altro molto criticato a suo tempo dal mondo politico di sinistra. Lo raccontava lui stesso: secondo loro aveva ritratto i poveri e i lavoratori del sud, le classi subalterne, attraverso immagini troppo belle che facevano dimenticare il dolore e la fatica, una vera assurdità. E nel suo ultimo film Lettere dal Sahara, di qualche anno fa, si mise ancora una volta dalla parte dei più deboli, in quel caso i migranti di oggi. Credo che la lezione più importante di De Seta sia la sintesi tra forma e contenuto. De Seta aveva un’idea precisa di come lavorare, sia nel documentario che nella finzione: senza limitazioni produttive o creative. Infatti, si è autoprodotto quasi tutto quello che ha realizzato. La sua idea era che non si può arrivare in un posto e girare prevedendo tutto prima, ma attraverso il contatto e la conoscenza degli uomini e dei luoghi lui sviluppava di volta in volta il suo lavoro che non poteva essere basato su idee precostituite.

I tuoi film, i tuoi cortometraggi sono accolti con grande entusiasmo dalla critica internazionale e vengono trasmessi spesso dalla Rai. Che cosa ti hanno dato?

Moltissime soddisfazioni. Ho sempre fatto quello che ho voluto senza limitazioni sulla creatività e sempre in assoluta libertà di espressione. Da 21 anni lavoro insieme alla produttrice Eleonora Cordaro e abbiamo condiviso le idee, i progetti e tutto quello che abbiamo fino a oggi realizzato, da i corti di finzione degli anni ’90 alle installazioni e ai video di creazione, per poi lavorare sui documentari e sul cinema di finzione. E nostra figlia Federica ha avuto un’importanza notevole nella realizzazione del primo film Lo Scambio, curando la preparazione e la direzione degli attori. Un film che sta dando risultati eccezionali in termini di gradimento del pubblico e della critica.

Quali sono i tuoi registi di riferimento e com’è il rapporto con loro?

Ho avuto due grandi incontri all’inizio degli anni ’90: Raùl Ruiz e Vittorio De Seta. Il primo con il suo cinema di invenzione e il secondo con la poesia del reale. Anche questa può considerarsi una vera sintesi che ho cercato e cerco nel mio lavoro tra il reale e l’invenzione. Con Ruiz ho avuto un legame più forte in quanto ho lavorato sui suoi set siciliani come aiuto regista. Gli dicevo che era il mio “maestro involontario”, visto che da lui ho imparato molto sul set. Con l’aiuto e il supporto di Antonio Presti e di Matteo Bavera, nel ’93 Ruiz girò a Fiumara D’Arte a Castel di Tusa e zone vicine un primo film, “Il viaggio clandestino. Storie di Santi e Peccatori”. L’anno dopo girammo un altro suo film, “Turris Eburnea” e cominciò contemporaneamente a girare un terzo film. Fu molto divertente: a volte per fare i ciak gli chiedevo “Raùl, in che film siamo?”.

Hai dedicato un film a Frank Zappa sul viaggio in Sicilia e quindi ti sei occupato di musica?

Summer 82 When Zappa came to Sicily è il titolo del documentario che è la storia di “un ragazzo che amava i Beatles e i Rolling Stones, amava Jimi Hendrix, I Doors, I Clash, ma più di tutti amava Frank Zappa”, quel ragazzo ero io. E’ la storia di un fan e del suo idolo. Stavo facendo il servizio militare e per vedere il concerto di Zappa a Palermo nel giorno del mio compleanno, il 14 luglio, attraversai l’Italia da nord a sud insieme a mio padre che mi venne a prendere. Fu l’ultimo viaggio insieme a mio padre che morì due mesi dopo a soli 49 anni. E contemporaneamente racconto il tour italiano di FZ attraverso la testimonianza diretta del suo migliore amico, Massimo Bassoli, che quel giorno a Palermo avrebbe dovuto cantare l’unico brano di Zappa con un testo in italiano: “Tengo una minchia tanta”. Ma il concerto finì prima tra i lacrimogeni della polizia. Io arrivai tardi e 30 anni dopo ho ricostruito quel concerto con i repertori originali e inediti che mi ha dato lo Zappa Family Trust. Summer 82 When Zappa Came to Sicily è stato presentato come evento speciale fuori concorso alla 70 Mostra del Cinema di Venezia, una bella soddisfazione.

La musica fa parte fortemente della mia vita. Per me Zappa è stato il punto di inizio più determinante per comprendere i linguaggi della musica. Io mi considero un esploratore di linguaggi e Zappa lo era. Oltre a essere un dissacratore attraverso i suoi testi graffianti, come compositore ha sviluppato un vero e proprio metalinguaggio esplorando i generi e rielaborandoli a suo modo, dal blues al rock al jazz e alla musica colta e sinfonica. Attraverso l’ascolto della sua musica, che partiva dal suo amore soprattutto per Edgar Varese, sono approdato con naturalezza all’ascolto e alla decriptazione della musica colta del Novecento e della musica di improvvisazione e sperimentale. All’inizio degli anni ’90 Federico Incardona, grande compositore palermitano purtroppo scomparso prematuramente, è stato per me un maestro che mi ha aiutato a comprendere la musica colta. E poi fu determinante anche l’incontro con Gianni Gebbia, Lelio Giannetto e altri musicisti. Da quel periodo in poi ho avuto collaborazioni con grandi musicisti, soprattutto in ambito sperimentale. Nel ’94 girai un documentario su Angelica Festival di Bologna ed ebbi modo di conoscere tra gli altri John Zorn, Bob Ostertag, Fred Frith e tanti altri. Già prima avevo realizzato dei video di duo per telecamera e strumento musicale come “Duo with Peter Kowald” e altri, in cui utilizzavo la telecamera in maniera performativa nel girare, in modo da interagire totalmente con i musicisti. Poi realizzai “Videoplunders”, un video in cui ho ricomposto musica con 14 musicisti registrati in video/audio in tempi e luoghi diversi: quella che Ostertag chiamava “musica di derivazione”. E per anni ho improvvisato dal vivo con i suoni e non solo con le immagini, dei miei video. Non sono un vj (che utilizza solo le immagini) ma potrei piuttosto definirmi un musicista audiovisuale.

 Cosa pensi delle musiche per il Cinema?

In generale amo i grandi compositori di musiche per film e ne sono sempre stato affascinato e amo tutto il cinema nelle sue diverse modalità espressive, da quello fantastico e spettacolare a quello introspettivo e d’autore. E ovunque c’è spazio per le idee, anche le più diverse tra loro. E in questo la musica ha la sua grande parte di importanza.

Tutte le esperienze sperimentali con i musicisti sono state per me un bagaglio prezioso che ho portato in ambito documentario e nel cinema di finzione. Quando si cominciò a lavorare non più in analogico ma in digitale i nuovi sistemi di montaggio presentavano una novità rispetto al passato: la visualizzazione del montaggio nella timeline, che io interpretai subito come una sorta di pentagramma in cui i frammenti di immagine e di suono e musica avevano la stessa valenza essendo frammenti di tempo. Per questo e altri ovvi motivi per me il suono e le musiche nel cinema hanno pari importanza dell’immagine e non ne sono solo un supporto. E anzi spesso parto proprio dal suono. E ne Lo Scambio, il mio primo film lungometraggio di finzione, ho ancor più cercato questo rapporto intimo tra il suono, la musica e l’immagine. Non a caso ho coinvolto Domenico Sciajno, un artista del suono, uno sperimentatore e non solo un musicista, che non aveva mai realizzato una colonna sonora di un film lungometraggio. E ho lavorato io stesso alla elaborazione di suoni e rumori durante il montaggio e il mix del suono del film.

 Quanta Sicilia c’è nel tuo lavoro?

Una volta un critico di cinema scrisse che in un mio documentario girato in Giappone c’era più Sicilia di quanta ne aveva vista nei miei lavori girati in Sicilia. Ogni uomo porta sempre dentro di sé il suo luogo di origine.